sábado, agosto 29, 2009

VIDA Y OBRA DE FRIDA


Opera interrupta


¿Cuándo una obra de arte está finalizada? Ésta es una de las preguntas que todo creador se ha hecho alguna vez a lo largo del proceso de ejecución de una pieza, entre la indecisión, el perfeccionismo y el reparo a realizar añadidos innecesarios. A lo largo de la historia pueden encontrarse múltiples ejemplos de obras inacabadas, en unos casos debido al fallecimiento del autor, por decisión propia en muchos otros (respondiendo a una forma de concebir la plasticidad aún muy adelantada a su época). Gaudí, Rembrandt, Goya, Rodin o Miguel Ángel son tan sólo algunos de los socios del club de las "opera interrupta" que, muchas veces gracias a ello, dejaron en herencia excepcionales muestras artísticas.Al igual que sucede con muchos otros aspectos, los procesos y límites asociados al mundo del arte difieren de los de la "vida corriente", si se quiere decir así. De este modo, lo acabado, la corrección y la perfección son términos que no siempre aseguran la génesis de una obra de arte. Existen casos incluso de obras que sin ser su destino último la no finalización han adquirido una identidad propia principalmente por esta característica; un buen ejemplo de ello es el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, en Barcelona (España), obra del Antoni Gaudí, famoso por no haber llegado a ser concluido debido a la temprana muerte del arquitecto (quien fue construyéndolo además sin planos). Algo semejante a lo que sucederá con el más monumental de los encargos realizados a Rodin, dos grandes puertas -las Puertas del Infierno- comisionadas para el Museo de Artes Decorativas de París e inacabadas debido al fallecimiento del escultor; o a los cartones encargados por Carlos III a Goya, quien no puedo finalizarlos por culpa igualmente de su muerte. En estos casos, la "obra inacabada" fue por accidente, pero existen muchas otras cuyo carácter inconcluso fue buscado ex profeso por el autor: quizá uno de los casos más famosos sea el de Miguel Ángel, quién dejó inacabados con intención los tondos Taddei y Pitti, así como - aunque en este caso también por causas ajenas- algunas de las esculturas de su última etapa (destacan sus pietás rondanini). Miguel Ángel ya adelantó algo que posteriormente será más común: la experimentación, tanto con técnicas como con el lenguaje plástico. Rembrandt dejó muchos de sus grabados sin finalizar, recurriendo tan sólo a una suerte de esbozo de líneas entrecruzadas; Duchamp no terminará su obra El Gran vidrio, en la que trabajó durante ocho años, hasta que la dé definitivamente "por inacabada" y Munch realizará múltiples variaciones y obras inacabadas de su famoso cuadro "El Grito".

Presentación del Cancionero Popular Ledesmense


Presentación del Primer Cancionero Popular Ledesmense.

realizado en el Centro Cultural General San Martín,

el cancionero reune 10 canciones inéditas de autores ledesmenses,

ademas incluye un Cd con las mismas.

es realmente un placer ver crecer la cultura de nuestro Pueblo.

Expo-CONCURSO LEDESMA DE PINTORES JUJEÑOS-CVL


Aqui estoy con mi obra: Simulacros de Ser.

es una producción que explora los pensamientos existencialistas,

en continuación de la serie la reinvención del cuerpo. Ambas series desarrollan

la preocupacion del hombre sobre su existencia finita y

la búsqueda de la trascendencia

a traves del arte.

PAISAJE LEDESMENSE


VISTA DE URIBURU Y SAN MARTÍN AL ATARDECER.

LIBERTADOR GENERAL SAN MARTIN

20 AÑOS DE ARTE-CUMPLEAÑOS DE LA ESCUELA DE ARTES LOLA MORA


Libertador General San Martín. Este año se celebra los 20 años de fundación de la Escuela de Artes LOLA MORA, desde este espacio le rendiremos tributo a medida que se acercan los festejos postergados por los paros y por la gripe A.

Aqui un breve relato de la vida del Artista.

Lola Mora
Dolores Mora de La Vega


Retrato de Lola Mora,junto a una maqueta de una de sus obras
Nacimiento
17 de noviembre de 1866 Argentina, Salta
Fallecimiento
7 de junio de 1936 (69 años) Argentina, Buenos Aires
Nacionalidad
Argentina
Área
Escultura
Obras destacadas
Fuente de las Nereidas
Lola Mora ó Dolores Mora Vega (El Tala Salta 17 de noviembre de 1866 - Ciudad de Buenos Aires 7 de junio de 1936) fue una artista argentina, especializada en escultura.

Infancia
Su lugar de nacimiento fue controvertido: tradicionalmente se consideraba que era originaria de la población tucumana de Trancas, ahora existen documentos probatorios que indican que nació en la estancia Las Moras, fracción de la Estancia El Tala y de Campo de Los Mogotes, hoy Estancia El Datil, ubicada en el departamento de La Candelaria de la provincia de Salta, y próxima a la frontera interprovincial.
El bautimo de socorro fue realizado por Don Ramón Cañaveras en El Tala, puesto que en el lugar no había parroquia, luego se le aplicaron oleo y crisma en la sede parroquial perteneciente a Tucumán, en el antiguo Templo del Sagrado Corazón de la Villa Vieja de Trancas. Cabe aclarar que tanto el Curato de Trancas, cómo la Iglesia Matriz de San Miguel de Tucumán dependían del Obispado de Salta.
Su padre era Romualdo Alejandro Mora, tucumano de linajes criollos y su madre Regina Vega, una estanciera salteña nacida en El Tala departamento de La Candelaria. Lola Mora era la tercera hija de siete hermanos: tres varones y cuatro mujeres.
En agosto de 1874, a los 7 años de edad, comienza sus estudios en el exclusivo Colegio Sarmiento de Tucumán, obteniendo más de una vez las mejoras notas de su clase en todas las asignaturas. La familia llevó en la ciudad una vida holgada no carente de lujos; ocupaba una gran casa de diez habitaciones en la céntrica calle Belgrano que, entre sus comodidades y gustos, incluía un fino mobiliario, elegantes juegos de plata, una colección de joyas pertenecientes a Regina Vega y un piano Pleyel que Lola sabía tocar.

Inicios en el arte

Lola, caricatura de Cao
Es así que desde los veinte años pudo estudiar bellas artes en la provincia de Tucumán, de la mano del pintor italiano Santiago Falcucci (1856-1922) quien comenzó a brindarle clases particulares. Según un artículo que él publicara en la Revista de Letras y Ciencias Sociales en 1904, y que es la única fuente que reseña los primeros pasos sistemáticos de Lola Mora en el arte, en un principio le costaba ceñirse a la joven al trabajo metódico y a escondidas de su maestro, pintaba flores y "cosas de fantasía". En cierta oportunidad, Falcucci la sorprendió dándole forma a unas mariposas con sus acuarelas y le planteó muy seriamente si su objetivo era ser una dilettante o una artista, a lo que Lola contestó que quería dedicarse al estudio del arte y para esto estaba dispuesta a seguir sus indicaciones. Así, cuenta el pintor, comenzaría un trabajo disciplinado, abocado al dibujo y a la técnica del retrato, con inspiración en las escuelas neoclasicista y romántica italianas, de las que ella no se apartaría en toda su producción.
Continúa sus estudios luego en Roma, Italia, donde tuvo como uno de sus principales maestros al excepcional Giulio Monteverde; durante su prolongada estadía en Italia quedo imbuida del modernismo escultórico y, por sobre todo, de los ejemplos del Renacimiento y del Barroco, en especial el de las obras de Miguel Ángel y de Bernini.

Obras

Lola Mora (1903), esculpiendo Fuente de las Nereidas, en pantalones
Ya demostradamente virtuosa en el cincelado del granito y del mármol, el gobierno argentino le encargó numerosas obras: por ejemplo en 1900 los bajorrelieves que luego adornarían el patio de la Casa de La Independencia en San Miguel de Tucumán. Aunque su obra más relevante causó polémicas moralistas, en efecto, al concretar en 1903 su monumental Fuente de las Nereidas por encargo de la Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires, la sociedad aún "victoriana" consideró "licenciosas" y "libidinosas" las esculturas que mostraban (y muestran) alegremente sin recatos los cuerpos desnudos emergiendo triunfalmente de las aguas.
La obra escultórica recién mencionada tuvo su primer emplazamiento a poca distancia de la Casa Rosada pero la presión de las "ligas moralistas", que además de quejarse de los desnudos de la obra no toleraban verla trabajar en pantalones en su taller, obligaron su traslado a un lugar entonces alejado: la Costanera Sur (en donde aún se encuentra tal escultural fuente). Desde esa época comenzó a padecer una suerte de ostracismo, aunque pudiendo irse de su país prefirió quedarse en su tierra.

Fuente de las Nereidas, Buenos Aires
Además de las obras escultóricas antes citadas, son de relevancia la escultura de la Independencia ubicada en San Miguel de Tucumán, o el conjunto de estatuas llamado Paz, Justicia, Libertad, Progreso planteadas para el edificio del Congreso Nacional en la ciudad de Buenos Aires y luego ubicadas en la ciudad de San Salvador de Jujuy, o el conjunto de esculturas realizado para su Monumento Nacional a la Bandera, proyecto ganado por ella y luego abandonado, en la ciudad de Rosario, también corresponde mencionar el primoroso tintero y portalapicero que realizó para uso de los presidentes argentinos.
Fuente de las Nereidas en Capital Federal, Costanera Sur.
Bajorrelieves de la Casa de la Independencia, San Miguel de Tucumán.
El grupo escultórico del que sería el 2º Monumento Nacional a la Bandera Argentina, hoy parte del 3º y definitivo, erigido en la Ciudad de Rosario (Argentina)
En la Provincia de Jujuy: estatuas de "La Justicia", "El Progreso", "La Paz" y "La Libertad" (emplazadas alrededor de la Casa de Gobierno), "El Trabajo" (frente a la estación ferroviaria) y "Los Leones" (en Ciudad de Nieva).
Monumento a Nicolás Avellaneda, Plaza Alsina, Avellaneda.
Estatua de la Libertad, Plaza Independencia, San Miguel de Tucumán.
Monumento a Juan Bautista Alberdi, Plaza Alberdi, San Miguel de Tucumán.
Estatua del Dr. Facundo de Zuviría (Jardines de Lola Mora, Parque San Martín, Ciudad de Salta).
Algunas de las obras fundidas en bronce para el Monumento 20 de febrero (Ciudad de Salta) se realizaron en París, bajo su supervisión artística.
En la localidad de El Tala (Departamento La Candelaria, Salta) está su Casa Natal –declarada "Monumento Histórico Nacional"– y en el Cementerio de dicho Municipio, la primera lápida de que es autora, erigida en memoria de Don Facundo Victoriano Zelarayán (primer jefe de la estación ferroviaria de la localidad).
También existen otras obras de su autoría, en las Provincias de: Tucumán, San Luis, San Juan, Córdoba, Mendoza, Corrientes, Buenos Aires y Capital Federal.

Vida privada
Hacia los cuarenta años de edad contrajo matrimonio con un hombre 20 años menor que ella, Luis Hernández Otero, quien la abandonó cinco años más tarde. El acto civil se realizó el 22 de junio de 1909 y la ceremonia religiosa, al día siguiente en la Basílica del Socorro. La madrina fue Rosario Clorinda G. de Avellaneda, esposa de Marco Avellaneda, a su vez hermano del ex-presidente, y el padrino Manuel Otero Acevedo, único representante de la familia del novio. A los Otero no les agradaba la idea de ver a su hijo casado con una mujer que podría ser su madre. Tanto en el acta civil como en la religiosa, Lola Mora figura con una edad de 32 años. El matrimonio duró poco.

Inventora
A pesar de no ser conocida por sus inventos, Lola Mora obtuvo varias patentes y entre sus creaciones se destacan un sistema para proyectar películas de cine sin pantalla (utilizando una columna de vapor), y sistemas para la exploración minera.

Otras obras
Tras su corto matrimonio, Lola Mora realizó riesgosas inversiones para la prospección de petróleo en las selvas salteñas, sin embargo tales inversiones le resultaron perdidosas; luego intentó la invención de un sistema de cinematografía color basándose en la iridiscencia de las emulsiones oleosas sobre el celuloide, aunque su idea era bien encaminada, el desconocimiento de datos científicos hizo que no se pudiera concretar en la práctica.
Lola Mora participó como contratista en la obra del tendido de rieles del Ferrocarril Transandino del Norte, más conocido como Huaytiquina, por donde hoy transita el mundialmente famoso tren a las Nubes (Provincia de Salta). Como urbanista, es autora del Primer Proyecto de Subterráneo y Galería Subfluvial de nuestro país, previsto para Capital Federal; y del trazado de calles de la Ciudad de Jujuy.

Fallecimiento y reconocimientos
Tras tres largos días de inconsciencia, insensibilidad y dificultad en su respiración, murió en Buenos Aires, el 7 de junio de 1936 rodeada de sus tres sobrinas que la asistieron todo el tiempo. Por esos días aparecieron extensas notas necrológicas en las principales publicaciones argentinas. Caras y Caretas, por ejemplo, comentaba:
"Siempre nos sorprende la tragedia del talento olvidado. Ahora más, al herir a una mujer, a la primera mujer argentina, cuya vocación supo afrontar las dificultades del mármol, los laboriosos primores del modelado de la arcilla."
Caras y Caretascolor
El vespertino Crítica señalaba responsables del abandono en que se encontraba la Artista Universal:
"...Es el homenaje perenne y sincero que compensa, hasta cierto punto, la ingratitud material de los poderes públicos y la sorda hostilidad de nuestros círculos artísticos que veían en Lola Mora la expresión de gustos anticuados y definitivamente 'pasados de moda.'"
Diario Críticacolor
Por su parte, el Diario La Nación que tantos favores concediera a Lola Mora en sus años de esplendor, decía sobre ella:
"El decidirse por el arte, ya había significado una proeza, recordemos la fecha de sus comienzos y su actuación inicial. Mujer y escultora parecían términos excluyentes. Los prejuicios cedieron, sobrepujados por la evidencia de su obra."
Diario La Nacióncolor
Es muy destacable que en todas las necrológicas que se publicaron en estos y otros medios, sólo se recuerda de su vasta obra, una sola de la artista: la Fuente de las Nereidas.
En su memoria, el Congreso de la Nación Argentina instituyó por ley 25.003/98, la fecha de su natalicio –17 de noviembre–, en “Día Nacional del Escultor y las Artes Plásticas”.
Por su parte, la Comisión Interprovincial de Homenaje Permanente a Lola Mora, el 17 de noviembre de 1996, descubrió la Piedra Basal del “Monumento a Lola Mora”, que se erigirá frente a los Jardines que llevan su nombre, en el Parque San Martín de la Ciudad de Salta. A la vez que desde 1995, viene organizando año tras año la “Semana de las Artes”, que se celebra en simultáneo en El Tala y la Ciudad de Salta (del 17 al 23 de noviembre) con participación de todas las disciplinas artísticas y las Regiones del país bajo la denominación de Festival Nacional de las Artes “Lola Mora” (o Lola Mora Festival).

Estatuas en Rosario
Un grupo de estatuas de Lola Mora flanquean el Pasaje Juramento, un pasaje peatonal en el Monumento Nacional a la Bandera en Rosario (Argentina). Visita Virtual al Monumento a la Bandera y el pasaje Juramento donde se encuentras las esculturas de Lola Mora.

arte con nombre de mujer







Hace unos meses la llegada a España de la famosa obra Judith decapitando a Holofernes de la pintora Artemisia Gentileschi abrió una puerta para la recuperación de este nicho que son las mujeres artistas reconocidas por la Historia. Caravaggista, excepcionalmente cualitativa, y poseedora además de la "invenzione" en una época apenas distante de la que permitió alumbrar a Erasmo de Rotterdam su famosa teoría acerca de la estupidez e inercia de la mujer, Artemisia desarrolló su pasión como un trabajo. Hoy día está considerada la primera; pero no es la única: Georgia O'Keeffe, Frida Kahlo, Sofonisba Anguissola, Gabrielle d'Estrées, Sonia Delaunay, Tamara de Lempicka, Mary Cassat o Liubov Popova son sólo la punta del iceberg.Dejando de lado consideraciones maniqueas respecto a la "ocultación" de la creación femenina en el arte , lo cierto es que no es sorprendente la escasa presencia de las mujeres, como creadoras, en su desarrollo. Si se tiene en cuenta que la mujer ha alcanzado hace relativamente poco tiempo esferas de la vida pública y ámbitos del poder vedados por la propia distribución de los roles mantenida y aceptada durante siglos, es comprensible que no sea prácticamente hasta el s.XX cuando la mujer comience a disfrutar de una posición en el mundo del arte. Ejemplos anteriores existen, si bien su número es tan reducido que se consideran excepciones (nunca en relación a su calidad, sin embargo).Romana, con un fuerte temperamento artístico y muy bien considerada en su momento, Artemisia Gentileschi recibe el apelativo de la primera pintora conocida de la Historia del Arte que vivió de su talento. Hasta el momento las mujeres dedicadas a esta actividad no se habían visto "abocadas" al arte por necesidad. Anteriores a Gentileschi hay otras, claro está, sin embargo los datos que nos han llegado hasta la actualidad han sido los de una ocupación destinada al esparcimiento o al cultivo "decorativo". De época de la Edad Media conocemos los nombres de un reducido número de mujeres que desarrollaron alguna clase de creación pictórica, si bien la mayoría de éstas eran seglares y su labor la miniatura principalmente, con notables ejemplos como la monja Ende o Teresa Díez, responsable de los murales de la iglesia de Santa Clara de Toro (Zamora). Igualmente existen casos de mujeres artistas en las cortes europeas renacentistas, aunque en estos casos su procedencia noble les eximía de ejercitar el arte como profesión para manutenerse. Esto no implica, sin embargo, que su proyección fuera limitada o sus temas tan prosaicos como la historiografía artística en muchas ocasiones sugiere; tan sólo hay que recordar casos como el de Sofonisba Anguissola, una de las mejores retratistas de Felipe II, o la enigmática Gabrielle d'Esttrées. Es verdad, sin embargo, que el acceso de las mujeres al mundo del arte y a sus conocimientos estuvo limitado durante muchos siglos: las academias de dibujo no admitieron a la primera mujer hasta bien entrada la Edad Moderna y las que accedían a estos estudios encontraban que determinadas materias les estaban vedadas, como la copia del natural. De este modo, la mayor parte de las artistas en recibir una formación de tipo "profesional" lo hicieron al amparo de talleres familiares, llevados por hombres, o instructores particulares. Es el caso de artistas como Luisa Roldán "La Roldana", Elisabetta Sirani o Lavinia Fontana.En época neoclásica, y ya antes, con el rococó, con la proliferación de las academias, esta circunstancia empieza a cambiar, y es más frecuente encontrar nombre de pintoras que habrían seguido unos estudios "oficiales": como Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun o Adélaïde Labille Guiard, quien además recibía alumnas, y, de hecho, presionó a la Real Academia de Pintura y Escultura francesa para que admitiera mujeres. En realidad no será hasta el s.XX cuando las mujeres puedan disfrutar de una formación, una independencia, e incluso una fama, parejas a las que durante siglos disfrutaron sus colegas masculinos, aunque en plena época victoriana encontramos mujeres que rompieron la norma, como la impresionista Berthe Morisot, quizá el caso más significativo en el XIX aunque su nombre sea indisociable del de un hombre, Manet (como sucederá con Camillle Claudel, Mary Cassat o tantas otras a lo largo de la historia). Y el s.XX, por fin, será el de las mujeres en el arte, con ejemplos tan significativos y diversos como Liubov Popova, Sonia Delaunay, Frida Kahlo, Tamara de Lempicka, Annie Liebovitz, Georgia O’Keefe, Natalia Gontcharova, Marie Blanchard o Remedios Varo, entre muchas otras que aún aguardan su turno para ingresar en los anales de la Historia del Arte.



A través del graffiti: de la pared a los libros


El graffiti ha pasado en los últimos tiempos de ser una manifestación callejera marginal a protagonista de los museos, con su consiguiente reconversión en creación plástica (frente al vandalismo anterior). El Artium Vitoria (País Vasco, España) acoge hasta el próximo septiembre una muestra dedicada a explorar la historia de esta técnica, y su evolución, a través de la documentación recogida en sus archivos.Desde que galería y museos se lo disputan como centro de interés y reclamo para visitantes, el graffiti ha adquirido una nueva consideración social, si bien aún causa reparos su estatus artístico. Es, sin embargo, una manifestación que posee un origen, una historia y una evolución en base a un fundamento que va más allá del mero emborronamiento de muros vacíos. La exposición propuesta por el Artium recoge ahora esta complejidad en una muestra que recorre el graffiti desde su nacimiento y su conversión en icono de la cultura del hip hop hasta nuestros días, en los que artistas como Leith Haring o Banksy son más que conocidos por el gran público. Para ello, se ha empleado una selección de más de ciento cincuenta libros de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium que ahora se muestran en exhibición en base a varios ejes temáticos: la presencia del graffiti en el mundo, documentada gráficamente; el auge de la disciplina a finales del s.XX y principios del XXI; las diversas técnicas existentes; los artistas más destacados; la relación del graffiti con otros campos como la música, el diseño o la moda; y la teorización y crítica del graffiti llevadas a cabo por expertos. Todo ello contextualizado, además, por un abundante material audiovisual compuesto por documentales, películas, música y fotografías de graffitis ubicados en la ciudad de Vitoria.

Más información: Artium

Beca Ciudad de Olot de Artes Visuales 2009

El Institut de Cultura de la Ciutat d'Olot (Cataluña, España) y la Generalitat de Cataluña convocan este certamen destinado a la promoción de artistas visuales emergentes. Un total de 18.000 € serán repartidos entre un máximo de cinco becas, a las que pueden optar todos aquellos artistas que lo deseen, sin límite de edad ni nacionalidad.Ficha del certamenOrganiza: El Institut de Cultura de la Ciutat d'Olot, en colaboración con la Generalitat de Cataluña.Categorías: La beca está abierta a cualquier disciplina, por lo cual no se establecen modalidades artísticas.Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 30 de septiembre de 2009.Límites de participación: Podrán optar a estas becas los artistas a título individual o colectivo, sin tener en cuenta ningún tipo de condicionante (límite de edad, nacionalidad...), que presenten una propuesta de creación de acuerdo con estas bases.Requisitos: Tanto si es a título individual como colectivo, sólo podrá presentarse una única solicitud y deberá garantizarse que se trata de un proyecto original e inédito. En caso de presentar una propuesta colectiva, el grupo deberá nombrar a un representante.Documentación: Los candidatos deberán acceder a la página web del Ayuntamiento de la ciudad de Olot y rellenar el formulario electrónico, en el que se pide:
a. Datos personales: nombre, apellidos, dirección postal, teléfono, correo electrónico, etc.
b. Currículum del solicitante.
c. Resumen breve del proyecto (máximo de 30 líneas).
d. Proyecto desarrollado en el que deben constar: objetivos, planteamientos teórico y técnico, calendario, coste aproximado de realización y plan de financiación.
e. La documentación adicional que los aspirantes crean oportuna para facilitar la valoración del proyecto: dossier gráfico de obra reciente, críticas, bibliografía...
f. Si el solicitante lo considera oportuno, podrá enviar material complementario (catálogos, DVD, etc.) Este material no será devuelto.
Dotación: Las Becas de Artes Visuales están dotadas con 18.000 €, que se repartirán entre un mínimo de dos y un máximo de cinco de los proyectos presentados (según el criterio del jurado, que establecerá las diferentes aportaciones para cada proyecto premiado).Más información: Institut de Cultura de la Ciutat d’Olot

Cuarta Bienal de dibujo Sylvia Pawa 2009


Certamen destinado a mexicanos y extranjeros que hayan tenido un mínimo de una exposición individual y dos colectivas a lo largo de su carrera en cualquiera de los campos del dibujo, la escultura o la pintura. El concurso, organizado por el Instituto Cultural México-Israel A.C. (México), está dotado con un premio único de adquisición de $100,000.00.Ficha del certamenOrganiza: Instituto Cultural México-Israel A.C. Categorías: Pintura, escultura y dibujo.Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 30 de septiembre de 2009.Límites de participación: En la creación de los dibujos podrán participar individualmente pintores, escultores y dibujantes mexicanos o extranjeros.Requisitos: -Los participantes deberán haber tenido por lo menos una exposición individual y dos colectivas (comprobables).-Cada concursante podrá presentar máximo 2 obras.-El tema y la técnica son libres.-Las dimensiones deberán estar dentro de un parámetro de 40 cms como mínimo y 100 cms como máximo.-Las obras deberán ser inéditas, propiedad de los autores, y no haberse presentado con anterioridad en exposición o evento alguno.Documentación: a) La obra concursante deberá venir acompañada por su ficha técnica con:* Seudónimo del artista.* Título de la obra.* Técnica utilizada, dimensiones y fecha de creación.b) En sobre abierto tamaño carta deberá venir:* El formato de inscripción para cada obra, que puede obtenerse en la sede del Instituto Cultural México – Israel A.C., solicitarse vía correo electrónico a bienal@mexico-israel.org o descargarlo aquí.* Un CD que contenga la fotografía de la obra en formato JPG alta resolución y en Word, la ficha técnica de la obra.* En caso de presentar dos obras el CD debe contener la información de ambas piezas y las dos fotografías.c) En sobre cerrado se incluirán los siguientes datos:* En la parte exterior del sobre cerrado: Seudónimo del artista y nombre de la obra.* En la hoja interior: nombre completo del autor, domicilio, teléfono, e-mail y un certificado de autenticidad de la obra, firmado por el autor, donde especifique que la obra es auténtica, de su autoría, con los datos de la ficha técnica, fecha y firma. Además copias de los documentos que avalen su participación por lo menos en una exposición individual y dos colectivas.Dotación: Un premio único de adquisición consistente en $100,000.00 (CIEN MIL PESOS 00/100 M.N.).Más información: Instituto Cultural México-Israel A.C.

La madre de todos es parte de la campaña cuida las lolas

Cuidalas lolas, el cuerpo como obra de arte Cuidalaslolas es una campaña digital que nació desde Id4You, una exitosa agencia de comunic...